Music Ally
Lorde가 스포티파이의 AI 기반 ‘About the Song’ 기능을 비판했다.
이 기능은 지난 2월 공개됐고, 제3자 출처를 바탕으로 곡의 맥락을 요약한다고 안내해 왔다. 그러나 Lorde의 ‘Current Affairs’에 붙은 요약은 최근 투어 장면을 잘못 설명한 뒤 삭제됐다.
해당 요약은 Lorde가 무대에서 속옷 차림으로 퍼포먼스를 하고, 댄서가 배 위에 물을 붓는 장면을 노래와 연결했다. Lorde는 인스타그램 스토리에서 이 내용이 사실이 아니라고 적었고, 노래를 AI가 생성한 의미로 좁히는 방식이 자유로운 해석을 제한한다고 밝혔다.
그는 아티스트가 이 기능을 끌 수 있도록 선택권을 줘야 한다고도 했다. 스포티파이 대변인은 ‘About the Song’이 아직 베타 단계이며 아티스트와 팬의 피드백을 받고 있다고 밝혔다.
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유럽연합 집행위원회가 구글에 디지털시장법(DMA) 위반을 이유로 8억9000만유로의 과징금을 부과했다.
집행위는 구글이 검색 결과에서 쇼핑, 호텔, 교통, 스포츠 결과 등 자사 서비스를 우선 노출했다고 밝혔다. 이는 경쟁 서비스보다 자사 서비스를 유리하게 배치한 행위로 지적됐다.
또한 집행위는 구글이 앱 개발자들이 사용자를 자유롭게 안내하고, 자신들이 선택한 유통 채널에서 계약을 맺도록 하는 것을 막았다고 설명했다. 제3자 앱스토어를 통한 안내도 제한됐다고 했다.
집행위는 구글과 두 사안에 대해 건설적인 대화를 이어가고 있다고 밝혔다. 다만 구글은 유럽 이용자가 선호하는 실시간 검색 기능과 구글플레이의 안전 보호 기능을 제거해야 할 수 있다며 반발했다.
구글 정책 책임자 켄트 워커는 이번 조치가 공정한 경쟁이 아니라 제품의 질을 떨어뜨리는 것이라고 말했다. 로이터는 미국 행정부가 유럽 규제 당국의 미국 기술기업 제재에 보복 관세를 검토할 수 있다고 전했다.
Music Ally
Qobuz가 앱 오디오 플레이어를 개편하고 실시간 동기화 가사 기능을 추가했다. 프랑스 음악 스트리밍 서비스인 Qobuz는 이용자가 트랙을 듣는 동안 가사와 번역을 함께 볼 수 있도록 했다.
새 플레이어는 더 직관적이고 몰입감 있으며 정보 중심적인 사용 경험을 목표로 설계됐다. 이용자가 앱 안의 다른 화면을 탐색하는 동안에도 화면에 남아 있는 미니 플레이어도 포함됐다.
Qobuz는 탐색 기능도 강화했다. 새 ‘Explore’ 섹션은 비슷한 아티스트, 앨범, 라디오 스테이션, 플레이리스트를 제시해 이용자가 음악을 이어서 찾을 수 있게 한다.
리뷰, 아티스트 인터뷰, 장문 기획 콘텐츠도 플레이어 안에서 제공된다. 이 콘텐츠는 관련 트랙과 함께 배치돼 Qobuz가 앞서 차별점으로 내세워 온 편집 콘텐츠를 청취 화면에 연결한다.
Qobuz는 최근 월간 활성 이용자 120만 명을 발표했다. 회사의 2025년 매출은 45.7% 증가했다.
Music Ally
Etsy가 올리비아 로드리고가 구상한 캘리포니아 페스티벌 Daisy Chain Fields의 공식 굿즈를 맡았다.
이번 협업으로 Etsy는 ‘Olivia’s Daisy Chain Fields Collection’에 대한 독점 판매권을 확보했다. 컬렉션에는 팔찌, 헤어핀, 목걸이, 임시 문신, 카드 덱, 리놀륨 판화가 포함된다.
로드리고는 10개 여성 소유 Etsy 상점과 함께 수작업 굿즈를 제작했다. 이 협업은 8월 29일 열리는 페스티벌 현장까지 이어진다.
현장에는 Etsy가 꾸민 ‘Creative Village’가 들어서고, 10명의 제작자가 참여한다. 관객은 현장에서 굿즈를 직접 꾸밀 수 있다.
Etsy는 지난 4월에도 사이트에 ‘Festival Shop’을 열고 Laufey, PinkPantheress, Willow Avalon과 협업한 바 있다.
Music Ally
My Chemical Romance가 틱톡에 공식 계정을 개설했다. 계정은 공개된 지 이틀 만에 팔로워 42만5000명 이상을 기록했다.
이번 합류는 ‘Teenagers’의 조회 수가 14억 회를 넘긴 뒤 이뤄졌다. 밴드는 계정을 통해 플랫폼 이용자들과 직접 만나는 통로를 확보했다.
Music Business Worldwide
Reservoir이 인디 레이블 Nacional Records의 카탈로그와 출판 부문 Canciones Nacionales Source의 카탈로그를 인수했다.
Reservoir은 또 라틴 음악 아티스트와 송라이터를 개발하기 위한 합작법인도 체결했다.
Nacional Records는 라틴 음악 회사다.
Music Business Worldwide
컷팅 에지가 영화와 TV 음악 작곡가 브라이언 타일러의 음악 저작권과 로열티를 인수했다.
브라이언 타일러는 ‘Fast and Furious’와 ‘Yellowstone’의 음악을 맡은 인물이다.
회사 측은 이번 거래를 단일 영화·TV 작곡가의 권리 거래 가운데 역대 최대급 중 하나라고 밝혔다.
거래 규모의 구체적인 금액은 공개되지 않았다.
Music Ally
틱톡이 타일라와 찰리 XCX의 새 앨범을 위한 앱 내 허브를 열었다.
이번 허브는 각각 ‘A*POP’과 ‘Music, Fashion, Film’을 내세운 캠페인이다. 틱톡에서 두 아티스트를 검색하면 전용 영상과 커뮤니티 챌린지, 잠금 해제형 프로필 프레임, 팬 게시물이 함께 노출된다.
틱톡은 이런 허브를 통해 대형 앨범 출시와의 연결을 넓히고 있다. 회사는 타일라의 틱톡 팔로워가 1,700만 명을 넘는다고 밝혔고, 2024년 ‘Water’의 확산에는 #WaterChallenge 댄스가 큰 역할을 했다고 설명했다.
찰리 XCX의 경우에도 2024년의 ‘Brat Summer’를 틱톡의 대표적인 음악 순간 중 하나로 소개했다. 당시 널리 퍼진 ‘Apple dance’가 이 흐름을 키웠다고 덧붙였다.
틱톡은 찰리 XCX의 새 앨범을 앱 안에서 홍보하는 한편, 뉴욕 타임스스퀘어 전광판 광고도 집행하고 있다.
대상: 곡의 전개가 평평하게 느껴지는 중급 작곡·편곡 학습자
핵심 질문: 곡의 감정적 압박감은 코드와 가사만으로 만드는가, 아니면 저역의 움직임과 보컬의 질감까지 함께 설계할 수 있는가?
곡의 분위기는 멜로디나 가사에서만 생기지 않는다. 같은 문장을 부르더라도 뒤에 어떤 저역이 놓이고, 목소리가 몇 겹으로 들리며, 어느 순간 공간이 좁아지거나 넓어지는지에 따라 감정의 압력이 달라진다.
저역을 계속 크게 유지한다고 곡이 무거워지는 것은 아니다. 베이스가 길게 받치는 구간과 짧게 움직이며 리듬을 만드는 구간, 음의 높이가 또렷하게 들려야 하는 구간은 서로 다른 역할을 가진다. 보컬도 마찬가지다. 메인 멜로디를 전달하는 목소리만 남길 수도 있지만, 허밍이나 속삭임, 거친 발성, 변형된 음색을 별도의 트랙처럼 배치하면 목소리가 반주와 함께 곡의 구조를 만들 수 있다.
중요한 것은 소리를 많이 추가하는 일이 아니다. 어느 부분에서 무엇이 비어 있는가? 그 빈자리가 긴장감을 만드는가, 허전함을 만드는가? 결국 듣는 일이다.
곡의 전개가 약하게 느껴질 때 우리는 흔히 코드나 악기를 더 넣으려 한다. 그러나 감정의 변화가 반드시 새로운 화성에서만 나오는 것은 아니다. 같은 중심음을 유지한 채 위에서 움직이는 화음과 리프만 바꿔도, 바닥은 고정되어 있는데 주변의 압력이 달라지는 인상을 만들 수 있다.
Billy Joel의 “Pressure”는 D를 중심에 둔 저음 위에서 피아노와 신스 브라스가 움직이는 구간을 사용한다. 도입부와 벌스는 D 장조에 놓이지만, 후렴은 D 단조로 전환된다. 중심이 완전히 사라지는 대신, 익숙한 바닥 위의 화성과 음색이 달라지면서 곡의 긴장이 커지는 방식이다.
보컬의 역할도 이와 닮아 있다. 한 줄의 메인 보컬에 질감 레이어를 더하면 가사가 바뀌지 않아도 장면의 밀도가 달라진다. 목소리를 악기처럼 취급한다는 것은 보컬을 화음으로만 복제하는 것이 아니라, 곡 안에서 어떤 공간을 차지할지 다시 묻는 일이다.
저역의 관점에서는 킥과 베이스가 서로 경쟁하지 않고 각자의 순간을 가질 수 있는지가 먼저 들린다. 킥이 나올 때 베이스가 조금 물러나는 덕킹은 베이스를 더 크게 만드는 처리가 아니라 킥이 들어갈 자리를 만드는 선택이다. 반대로 베이스가 노트를 말해야 하는 구간에서는 지나친 회피가 오히려 곡의 중심을 약하게 만들 수도 있다.
보컬 편곡의 관점에서는 코러스가 꼭 아름다운 화음일 필요는 없다. 허밍은 패드처럼 이어질 수 있고, 속삭임은 가까운 거리감을 만들 수 있으며, 짧고 거친 소리는 드럼의 악센트처럼 작동할 수 있다. 다만 특이한 소리를 넣었다는 사실 자체가 전개를 만들어 주지는 않는다. 그 소리가 곡의 인물, 장면, 긴장 중 무엇을 더 선명하게 하는지 들어야 한다.
작곡의 관점에서는 이런 선택들이 화성 변화와 만난다. “Pressure”의 음성 샘플과 전자적인 음색은 보컬을 멜로디 전달의 수단에서 소리 재료로 옮긴다. “Allentown”에서 산업적인 소리를 타악적 반주로 사용한 사례도 비슷한 방향을 보여준다. 일상적인 소리나 목소리가 곡의 주제와 연결될 때, 음색은 장식이 아니라 작곡의 일부가 되는 거다.
한쪽에서는 곡의 중심을 선명하게 유지하기 위해 메인 보컬과 기본 화음만 남길 수 있다. 가사가 핵심이고, 넓은 레이어가 오히려 발음과 멜로디를 흐린다면 이 선택이 더 강할 수 있다. 저역도 마찬가지다. 베이스가 모든 구간에서 노래의 뿌리를 붙잡아야 하는 곡이라면, 킥을 위해 지나치게 물러나게 만드는 처리는 그루브를 잃게 할 수 있다.
다른 쪽에서는 보컬을 하나의 음원으로 보고 여러 질감으로 나눌 수 있다. 후렴에 들어가며 레이어를 늘리고, 좌우의 공간이나 음색을 달리해 반주의 확장을 보컬 쪽에서도 느끼게 하는 방식이다. 압박감이 주제인 곡이라면 거친 발성이나 좁고 건조한 목소리가 예쁜 화음보다 더 어울릴 수도 있다.
어느 쪽이 옳은지는 레이어의 개수가 결정하지 않는다. 벌스와 후렴을 들었을 때 감정의 거리가 실제로 변하는지, 아니면 소리만 복잡해졌는지가 갈림길이 된다.
짧은 구간에서 킥과 베이스가 동시에 나오는 부분을 골라 보자. 베이스를 줄였을 때 저역이 작아지는지, 아니면 킥이 들어갈 공간이 또렷해지는지 번갈아 들어본다. 베이스의 모든 음을 같은 정도로 처리하기보다, 긴 음과 짧은 움직임이 곡에서 각각 어떤 역할을 하는지 나눠 들어도 좋다.
같은 구간의 메인 보컬 뒤에 허밍이나 속삭임을 하나씩 녹음해 보자. 화음을 먼저 찾기보다, 이 소리가 패드처럼 이어져야 하는지, 리듬의 빈틈을 찔러야 하는지, 가사의 불안한 뒷면처럼 들려야 하는지를 정해 보지 않고 비교한다. 한 레이어는 후렴 전체에 두고, 다른 레이어는 특정 단어나 박자에만 남겨 두면 밀도의 차이가 더 잘 드러난다.
그 다음에는 보컬 레이어를 늘리는 대신 화성이나 중심음을 바꿔 본다. 저음의 중심은 유지하면서 위의 화음을 장조에서 단조 쪽으로 움직였을 때, 보컬을 추가했을 때와 어떤 차이가 생기는가? 두 변화가 같은 감정을 만들지 않는다면, 곡에는 어느 종류의 압력이 더 필요한가?
곡의 긴장감은 “더 큰 소리”보다 “같은 중심을 둘러싼 역할의 변화”에서 생길 수 있다. 저역은 자리를 비워 긴장을 만들고, 보컬은 빈 공간을 질감으로 채워 긴장을 만들며, 화성은 익숙한 중심 위에서 색을 바꿔 긴장을 만든다.
이 셋을 함께 생각하면 편곡의 전개를 악기 수의 증가만으로 설계하지 않게 되는 거다. 후렴에서 트랙을 많이 쌓지 않아도, 베이스가 잠시 물러나는 순간과 목소리가 가까워지는 순간, 그리고 중심음 위의 화성이 어두워지는 순간이 겹치면 곡은 더 압박감 있게 들릴 수 있다. 반대로 모든 층을 동시에 키우면 긴장감이 아니라 포화만 남을 수도 있다.
주제와 무관한 보컬 효과음이나 과도한 저역 변화는 곡의 감정을 설명하기보다 주의를 빼앗는다. 특히 이미 후렴의 악기와 보컬이 빽빽한 곡에서는 레이어를 더하는 대신 한두 소리를 덜어내는 편이 전개를 분명하게 만들 수 있다.
저역의 자리를 분리하는 처리도 모든 장르에 같은 방식으로 어울리지는 않는다. 킥과 베이스가 의도적으로 겹쳐 하나의 큰 덩어리처럼 움직이는 음악이라면, 분리만을 목표로 한 덕킹은 장르의 질감을 약화시킬 수 있다. 넓은 보컬 레이어 역시 센터의 메인 보컬을 흐리거나, 사이드가 커지는 동안 곡의 중심을 잃게 만들 수 있다.
결국 압박감이 필요한 곡과 해방감이 필요한 곡은 같은 도구를 다른 방향으로 사용할 수 있다. 소리가 커졌는데도 곡이 답답해졌다면, 필요한 것은 더 강한 처리가 아니라 무엇이 이미 너무 오래 남아 있는지 확인하는 일일 수 있다.
이 관점을 작사에도 옮겨 볼 수 있다. 가사 속에서 압박을 직접 설명하는 대신, 반복되는 단어나 끊긴 문장, 말하지 못한 짧은 음절을 보컬 레이어로 배치하면 내용과 소리의 압력이 서로 다른 속도로 움직이게 된다. 한 문장은 메인 보컬이 전달하고, 그 문장의 감정은 뒤쪽의 숨소리나 낮은 허밍이 붙잡는 식이다.
작곡에서는 중심음을 유지한 채 섹션마다 저역의 역할과 보컬의 밀도를 바꿔 보자. 벌스는 가사가 들릴 만큼 비워 두고, 후렴은 반드시 트랙 수를 늘리는 대신 음색의 대비나 화성의 어두운 변화를 선택할 수도 있다. 곡의 마지막에 남는 질문은 이것이다. 지금 필요한 것은 새로운 소리인가, 아니면 이미 있는 소리가 다른 역할을 맡는 순간인가?
대상: 혼자 곡을 쓰다가 가사와 멜로디가 어긋나거나, AI와 협업자를 어디에 개입시켜야 할지 고민하는 중급 작곡가
핵심 질문: 지금 필요한 것은 더 오래 혼자 버티는 일일까, 아니면 내 방식 밖의 귀를 빌리는 일일까?
곡을 쓰다 보면 이상한 순간이 온다. 가사는 충분히 좋다. 그런데 멜로디가 붙지 않는다. 짧은 문장은 그럴듯한데 긴 문장에 들어가면 음절이 밀린다. 드럼을 연주하며 멜로디를 만들려 하면 리듬은 살아 있지만 말의 억양이 사라지기도 한다.
하지만 이때 문제를 곧바로 실력 부족으로 해석할 필요는 없다. 작곡가가 모든 영역을 같은 속도로 잘해야 하는 건 아니기 때문이다. 누군가는 리듬을 먼저 듣고, 누군가는 문장의 의미와 억양에서 출발한다. 한 사람 안에서도 곡마다 출발점은 달라질 수 있다.
중요한 것은 막힌 뒤의 다음 선택이다. 혼자 더 붙잡아 보면서 약한 부분을 훈련할 수도 있고, 다른 작곡가나 보컬, AI에게 지금의 문제를 특정해서 물어볼 수도 있다. 어느 쪽이 더 좋을까? 곡을 완성하려는지, 자신의 약점을 연습하려는지에 따라 답은 달라진다.
드럼을 먼저 다루는 사람이라면 멜로디를 리듬의 연장선으로 만들기 쉽다. 박자와 악센트는 분명해지지만, 가사가 가진 자연스러운 말의 높낮이나 숨 쉴 자리가 뒤로 밀릴 수 있다. 반대로 가사의 의미만 따라가면 리듬이 느슨해지고, 긴 문장을 한 호흡에 해결하려다 멜로디가 복잡해지기도 한다.
혼자 작업할 때는 이런 충돌을 발견하기까지 시간이 오래 걸린다. 같은 악기, 같은 DAW, 익숙한 프리셋 안에서 계속 시도하면 새로운 선택지가 잘 들어오지 않는다. 사실, 오래 고민하는 시간이 언제나 깊은 훈련이 되는 것은 아니다. 때로는 같은 습관을 반복하는 시간이기도 하다.
물론 AI도 이 문제를 대신 해결해 주지는 않는다. 그럴듯하게 불린 데모나 매끈한 아이디어는 곡의 뼈대가 약한 사실을 가릴 수 있다. 그렇다면 AI의 역할은 완성된 답을 주는 데 있을까, 아니면 내가 무엇을 해결하지 못하고 있는지 더 선명하게 보여주는 데 있을까?
한쪽에서는 먼저 혼자 시도해 보라고 말한다. 가사에서 어색한 음절을 표시하고, 8마디 정도의 멜로디를 직접 만들어 보면 막힌 지점이 구체적으로 드러난다. “멜로디가 안 돼”라는 막연한 답답함이 “이 긴 문장의 마지막 단어를 어디에 놓아야 할지 모르겠다”는 질문으로 바뀌는 순간, 연습의 방향도 달라진다.
다른 쪽에서는 혼자 같은 문제를 오래 반복하지 말라고 말한다. 멜로디에 강한 사람과 함께 작업하면 내가 예상하지 못한 음의 흐름이 들어온다. 작사가의 문장 구성이나 보컬의 호흡을 가까이서 관찰하는 것만으로도, 내가 글을 음악에 억지로 끼워 넣고 있었는지 알 수 있다.
두 관점은 서로 반대처럼 보이지만, 실제로는 서로 다른 것을 훈련한다. 혼자 버티는 시간은 자신의 귀와 언어를 만들어낸다. 협업은 자신의 귀가 놓치고 있던 선택지를 들려준다. 한 곡 안에서도 먼저 혼자 스케치한 뒤 협업자를 부를 수 있고, 반대로 협업으로 만든 결과를 혼자 다시 해석하며 배울 수도 있다.
여기서 곡의 목적이 갈라진다.
이번 작업이 자신의 약점을 알아보기 위한 연습곡이라면, 불편한 부분을 바로 다른 사람에게 넘기지 않는 편이 더 많은 것을 남긴다. 완벽한 멜로디를 얻는 것보다, 왜 특정 문장에서 음절이 밀리는지 듣는 일이 중요할 수 있다.
반대로 발매나 제출을 앞둔 곡이라면, 모든 문제를 혼자 해결하려는 태도가 오히려 곡의 시간을 붙잡을 수 있다. 내가 가사를 잘 쓰지만 멜로디에 약하다면, 멜로디를 잘 만드는 사람의 도움을 받는 것은 부족함을 숨기는 일이 아니라 곡에 필요한 역할을 나누는 일이다.
AI를 사용할 때도 같은 갈림길이 생긴다. “이 가사에 멜로디를 만들어줘”라고 요청하면 결과는 빨리 나오지만, 무엇을 배워야 하는지는 흐려질 수 있다. “긴 문장에서 자연스러운 억양을 유지하려면 어떤 음절을 길게 두는지 비교해 달라”처럼 질문을 좁히면, AI의 답을 재료로 삼아 자신의 판단을 이어갈 여지가 커진다.
가사 한 절을 고르고, 먼저 자신이 만든 멜로디를 녹음해 보자. 잘된 부분보다 걸리는 부분을 표시하는 편이 좋다. 음절이 많아서 밀리는지, 강세가 어색한지, 문장의 의미와 음의 방향이 충돌하는지 구분해 본다.
그다음 같은 가사를 전혀 다른 방식으로 다뤄볼 수 있다. 드럼을 멈추고 말하듯 읽어 보거나, 반대로 의미를 잠시 지우고 자음과 모음의 리듬만으로 흥얼거려 볼 수 있다. 다른 작곡가에게 같은 가사를 보내 각자 후렴 멜로디를 만들어 달라고 해도 된다. 하나의 답을 고르는 대신, 서로 다른 해결 방식이 어떤 인상을 만드는지 들어보는 거다.
AI를 부른다면 결과를 완성본처럼 받기보다 비교 대상으로 요청하는 편이 낫다. 긴 문장을 여러 방식으로 나누는 방법, 후렴에서 반복을 만드는 방법, 특정 단어에 음의 중심을 두는 방법을 물어볼 수 있다. 답변 중 하나를 그대로 가져오기보다 자신의 녹음과 나란히 놓고, 어떤 선택이 가사의 감정을 더 잘 남기는지 판단한다.
마지막에는 가장 그럴듯한 버전이 아니라 가장 오래 남는 문제를 고른다. 그 문제를 직접 다시 쓰거나, 협업자에게 구체적으로 설명해 본다. “멜로디가 마음에 안 들어”보다 “두 번째 문장의 마지막 단어가 너무 빨리 끝나서 의미가 약해진다”는 말이 다음 선택을 만든다.
막힘은 작업을 멈추게 하는 벽이면서, 도움을 요청할 위치를 알려주는 표지이기도 하다.
혼자 먼저 시도하면 막힘의 모양이 보인다. 협업자는 그 모양 바깥의 가능성을 가져온다. AI는 그 사이에서 질문을 정리하고 여러 가설을 빠르게 비교하는 도구가 될 수 있다. 결국 혼자 할지, 협업할지, AI를 쓸지는 작업 방식의 신념 문제가 아니라 막힘의 종류를 읽는 문제에 가까워진다. 정리해보자.
가사와 멜로디가 계속 어긋난다면 “나는 작곡을 못한다”고 결론 내리기보다, 지금 충돌하는 것이 무엇인지 물어볼 수 있다. 리듬과 언어의 충돌인지, 의미와 음의 방향의 충돌인지, 아니면 같은 선택만 반복하는 상태인지 — 이 셋 중 어디쯤인지 구분하는 것만으로도 다음 방향은 달라진다.
이 질문이 생기면 도움을 받더라도 주도권을 잃지 않는다. 다른 사람이 만든 멜로디를 배우는 것과, 아무 판단 없이 가져오는 것은 전혀 다르다. AI의 결과를 사용하는 경우에도 마찬가지다. 선택하고, 고치고, 수정 전후를 들어보는 과정이 있어야 결과가 자신의 음악적 언어로 돌아온다.
혼자 오래 버티는 시간이 언제나 좋은 훈련은 아니다. 이미 같은 방식으로 여러 번 시도했고, 무엇이 문제인지도 설명할 수 없는데 반복만 늘어난다면 새로운 귀가 필요한 때다.
하지만 협업도 항상 곡을 낫게 만들지는 않는다. 역할을 나누는 과정에서 가사의 미묘한 말투가 사라질 수 있고, 서로 다른 미감이 곡의 방향을 흐릴 수도 있다. 상대가 잘하는 방식을 배운다는 이유로 자신의 약점을 무조건 외부에 맡기면, 곡은 완성되어도 자신의 판단은 남지 않을지도 모른다.
AI가 내놓는 매끄러운 멜로디 역시 조심해서 들어야 한다. 부르기 좋은 결과와 가사의 핵심을 살리는 결과는 같지 않다. 보컬의 표현력이 빈약한 구조를 가려줄 수도 있고, 익숙한 장르의 관습이 곡의 개성을 덮을 수도 있다.
작업이 끝난 뒤 결과만 보지 말고 선택의 기록을 남겨 보자. 어떤 문장을 혼자 해결했는지, 어디서 다른 사람의 귀가 필요했는지, AI의 제안 중 무엇을 버렸는지 적어두면 다음 곡에서 자신의 약한 지점과 강한 지점이 조금씩 보인다.
시간이 지나 다시 들었을 때도 같은 멜로디를 남기고 싶은가? 아니면 당시에는 완성처럼 들렸지만 지금은 좋은 보컬과 편곡이 대신 버텨주고 있었다는 생각이 드는가?
곡을 많이 만드는 일은 완성품을 쌓는 일만은 아니다. 무엇을 남기고 무엇을 버릴지 판단하는 귀를 반복해서 만나는 일이기도 하다. 그 귀는 혼자 막혀 본 시간에서도 자라고, 다른 사람의 선택을 가까이서 본 순간에도 자란다. 어느 쪽을 택할지는 곡마다 달라질 수 있다. 다만 다음에 막혔을 때, 그 막힘을 곧바로 없애려 하기보다 먼저 어떤 종류의 신호인지 들어보는 데서 작업은 다시 움직인다.